воскресенье, 16 февраля 2020 г.

РЕМБРАНДТ В МУЗЕЕ ТИССЕН

РЕМБРАНДТ И ПОТРЕТ В АМСТЕРДАМЕ

Впервые в Испании пройдёт выставка, посвящённая портретному творчеству Рембрандта Харменса ван Рейна. Именно в жанре портрета выдающийся голландский художник XVII века достиг наивысшего уровня. Наряду с его двадцатью портретами на экспозиции будут представлены шедевры других художников, которые, как он, работали в Амстердаме во время голландского «Золотого века». Собрание экспонатов составляют 80 картин и 16 гравюр, некоторые из которых никогда не были показаны в Европе. У посетителей выставки, экспозиция которой свидетельствует о большом разнообразии и высоком качестве этого периода голландской живописи, есть возможность познакомиться с персонажами, изображёнными на портретах: супружеские пары, ремесленники за работой, дети, эрудиты, предприниматели, сами художники и групповые портреты.
Художник и гравёр Рембрандт родился в 1606 году в Лейдене (Нидерланды). Он вошёл в историю как один из величайших представителей живописи барокко. В основу его творчества лёг классицизм, и художник свободно использовал свой личный опыт в создании гравюр и картин. Его работы имели большой успех, и за 20 лет он стал самым влиятельным автором для новых голландских художников.

Особенное место в творческом наследии Рембрандта занимают портреты, которые он писал для своих современников, таких как Саския ван Эйленбюрх, автопортреты и иллюстрации к библейским и мифологическим сюжетам, такие как «Похищение Европы», «Христос во время шторма на море Галилейском» и «Снятие с креста».
Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт © Artifex.ru
Портрет должен был быть идеальным, должен был скрадывать все недостатки человека, но художник думал иначе. Они передавали характер, темперамент, в них был конфликт.  Все свободное время Рембрандт  тратил на изучение мимики. Он часами стоял у зеркала и строил рожи, которые потом переносил углем на бумагу. Ему важно было поймать малейшие оттенки эмоций. Лицо человека, по мнению художника, было зеркалом души, это он осознал еще задолго до Оскара Уайлда с его «Портретом Дориана Грея».
Да, голландскому мастеру всегда было мало рамок картины, он мечтал о том, чтобы его полотна стали частью этого мира, а зритель — непосредственным участником происходящего. Но именно это желание и низвергло его с вершин славы в пучину векового забвения. Самое интересное, что Рембрандт легко бы мог приспособиться под последние модные тенденции в искусстве и вновь получать большие деньги за свои полотна. Но живописец был убежден в том, что должен создать абсолютно новый стиль. На его портретах теперь были не богатые люди, а самые обычные граждане города Амстердама. Таков, например, «Портрет старика еврея». Рембрандту стало не интересно детальное изображение всех предметов одежды, он стремился к большей абстракции, стремился в идеальной точности показать чувства своих персонажей.
Серьезная, реалистическая живопись, не подкупающая глаза красотой, говорящая не чувствам, а сердцу, нашла величайшее выражение в творчестве Рембрандта.


   "Всего важнее, - говорит Гете о задачах искусства, - иметь душу, любящую истину, и брать правду там, где ее находишь".
   Вот эту-то "душу" и имел Рембрандт; поэтому с лишком двести лет после его смерти произведения художника все еще находят отзыв в сердцах людей.


Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт © Artifex.ru
Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт © Artifex.ru
Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт. © Artifex.ru

пятница, 26 июля 2019 г.

"ВЕЛАСКЕС, РЕМБРАНДТ, ВЕРМЕЕР, СХОЖЕСТЬ ВО ВЗГЛЯДАХ"

В музее Прадо в Мадриде открылась выставка "Веласкес, Рембрандт, Вермеер: пересечения". Это один из проектов, подготовленных к 200-летию музея.

В экспозиции - 72 работы из коллекции Прадо и 15-и других музеев. Многие картины для этой выставки предоставил амстердамский «Рейксмузеум». Цель организаторов - показать, что испанская и голландская живопись XVII века имеют общие черты. Традиционно считалось, что художественные традиции в этих странах сильно различаются, имеют ярко выраженный национальный характер.
Долгое время казалось логичным думать, что искусство, созданное в разных частях континента, 
было совершенно разным: например, Веласкес «очень испанец», а Рембрандт «очень голландец». 
Ученые того времени придавали большое значение тому, что у каждой нации  все было по-разному, 
и распространяли мысль о том, что эти различия проявляются в искусстве. Эта точка зрения 
сводит к минимуму общие черты, характерные для европейских художников.   В обеих странах 
в 17 веке развилась эстетика от идеализма и интерес к реальному внешнему виду вещей и 
способам его представления. Художники, чьи работы представлены на этой выставке, не 
выражают в них сущность своих наций, но они высказывают идеи и подходы, которыми они 
делились .

Кураторы выставки в Прадо хотят опровергнуть эту теорию различия искусства Испании и Нидерланд и показать, как в двух странах одновременно зарождалась новая художественная эстетика.   

1ый раздел выставки посвящен мода и 
живопись  в Испании и Нидерладнах. 
Предпочтение черного  цвета было наследием 
вкуса престижного герцогского дома 
Бургундии, который управлял  Испанией и 
старыми Нидерландами в лице королей как 
Филипп Красивый, Карл V и Филипп II.
 Возможно, по этой причине эта мода 
 продолжалась в Испании и Голландии вплоть до 
второй   половины 17 века, а на остальной части 
континента она устарела с 1630-х годов. Ни Веласкес, ни Рембрандт, ни Вермеер  не писали 
просто увиденное. Хотя они старались сделать так, чтобы  представленное казалось более близким, 
 их картины это не реальность, это  искусство.   Другой раздел выставки показывает нам тесные
 связи между художниками и  меценатами  Испании и  Нидерландов. 
Последний раздел посвящен техники мазков. Многие испанские и голландские художники 
семнадцатого века разделяют технику свободного мазка и наброска, что оставляет на 
поверхности  следы их создания - испанский критик того времени назвал это «писать грубыми
 мазками». Этот способ работы был унаследован от венецианских художников, например таких
 как Тициан.  Влияние венецианской живописи продолжалось в Испании и Голландии гораздо
 больше, чем в других художественных центрах континента.
 
 


«Искусствоведы всегда считали, что испанские и голландские художники являются выразителями национального духа. Эта идея была очень популярна и до сих пор влияет на наше восприятие. Интересно, что в XIX веке, когда учёные отстаивали эту точку зрения, многие европейские художники - Мане, Сарджент и другие - обращали внимание на сходство между работами Веласкеса, Рембрандта и Хальса, между испанской и голландской живописью»
Таким образом знакомясь с художественными традициями двух стран, противопоставляя исторические мифы и художественные реалии, явно прослеживается объединение живописных школ  Испании и Голландии.


среда, 10 апреля 2019 г.

МАН РЭЙ "ПРЕДМЕТЫ ИЗ СНОВИДЕНИЙ"


«Я фотографирую только то , что не смог нарисовать»

Более сотни фотографий и предметов маэстро сюрреализма из различных частных европейских коллекций представлены на этой эксклюзивной выставке, посвящённой миру сновидений Ман Рэя.
Большую часть своей творческой жизни американский фотограф-модернист Эммануэль Радницкий (Филадельфия, США, 1890 – 1976, Париж, Франция), известный под псевдонимом Ман Рэй, провёл в Париже, где он почувствовал себя заново рожденным.
Представитель дадаизма, сюрреализма, для которого «искусством было всё» - любой самый обычный предмет он мог превратить в настоящее произведение искусства. Он постоянно экспериментировал, смешивал жанры, сочетал несочетаемое. Для него не существовало правил, границ, стереотипов. Только ощущение полной свободы, которое помогло ему высвободить целиком свой творческий потенциал и оказать огромное влияние на авангардное искусство ХХ века – от дадаизма и сюрреализма до абстрактной и коммерческой фотографии.

Этот человек доказал миру того времени, что фотография не бездушна. Что портреты могут быть полны настроения и характера, фото в стиле ню — чувственности, а экспериментальные снимки — мистики. Он работал для модных журналов Harpers Bazaar, Vogue, Vu и Vanity Fair, которые привлекали только самых авангардных художников. Именно Ман Рэй является автором самой знаменитой фотографии Коко Шанель.

Один из разделов выставки посвящен музам творца « 4 женщины и Венера» среди них  фото французской натурщицы Алисы Прен, больше известной как Кики с Монпарнаса, с маской из чёрного дерева, которая вызывает ощущение, что обе фигуры разделяют одну мечту. Классическая красота  Ли Миллер ослепила его — четыре года Ли будет ученицей, музой, коллегой и мучительницей художника.
Экспозиция также включает предметы, перекликающиеся с воспоминаниями, снами и желаниями.  Он подарил художественному миру еще один шедевр — рисунок «Объект разрушения» и сделанную по нему конструкцию под названием «Неразрушимый объект». 

Этот «объект» представляет собой рисунок метронома с маятником, на котором закреплен вырезанный из фотографии эффектный глаз Ли Миллер. Сопровождающая изображение надпись гласит: «Вырежьте глаз из фотографии того, кто был любим, но кого Вы больше не видите. Прикрепите глаз к маятнику метронома и отрегулируйте его так, чтобы достичь нужного Вам темпа. Дождитесь остановки маятника. Взяв в руку молоток, хорошенько прицельтесь и постарайтесь разрушить всю конструкцию одним ударом». Это руководство к действию свидетельствует о настойчивой внутренней потребности Ман Рэя облекать в слова и даже в действия свои ощущения — в данном случае, очевидно, ярость, ненависть, разочарование...
В самом деле, изобретательный ум Ман Рэя позволял ему взглянуть на любой объект как на источник вдохновения и самовыражения, изобретать новые техники, развивать нечто действительно потрясающее воображение.

Он не боялся пробовать создать что-то новое, благодаря чему появились такие приёмы как рэйография и соляризация. При рейографии изображение из-за проекции предметов на светочувствительную бумагу получалось деформированным и преломленным, а эффект соляризации получался при повторной печати негатива — предметы, лица и тела приобретали мистические очертания. Он возвел фотографию в ранг искусства во времена, когда фото считали лишь ремеслом.


 «Я не фотографирую природу, я фотографирую мои фантазии», — сказал о себе Ман Рэй. Этой фразой он смог объяснить, чем был занят всю жизнь.